Comments (1)

By Editor, March 7, 2010

El trabajo de esta curadora de origen italiano Paola Antonelli, dentro del MoMA, tiene una significación muy especial para el diseño industrial. O para el diseño, como ella misma lo comentó, refiriéndose a sus exposiciones y acercamientos a la disciplina, el martes pasado cuando tuvimos la oportunidad de asistir a un ciclo de conferencias en la FAU-UCV. El contenido principal de su charla estuvo centrado en la exposición Diseño y la Mente Elástica (2008), que ya habíamos reseñado en este blog.

En esta exposición, Antonelli se acerca a la ciencia con la sorpresa de encontrar fascinantes propuestas que proponen a los diseñadores los caminos posibles en el universo de la creación y proyectación de los objetos. Algunos trabajos presentados en esta muestra resaltan por su extraordinaria forma de alcanzar niveles de innovación, cruzando el umbral que separa la ciencia de su aplicación práctica, así como abordan las materias que se convertirán en las futuras responsabilidades de los diseñadores. Un particular interes de la relación entre diseño y ciencia con el enfoque de la escala. La muestra incluía proyectos, objetos y conceptos, llevados por equipos de diseñadores, científicos o ingenieros, desde la nano scala hasta los niveles cosmológicos. Igualmente, desde aplicaciones muy prácticas y en áreas muy sensibles como la salud. Citó el ejemplo de esta extraña y hermosa pieza de cristal, el proyecto BEE’s de la Diseñadora Industrial de Portugal, Susana Soares, que trabaja con el desarrollado sentido del olfato que tienen las abejas. También comentó sobre el trabajo de James King, Dressing the Meat of Tomorrow (Vistiendo la Comida del Futuro), un concepto que introduce el la idea de la “disembodied cuisine”, una comida escencialmente creada en laboratorio. Y otros proyectos de la muestra que hacen uso de algoritmos matemáticos para desarrollar patrones y formas, y que permitan a los diseñadores revisitar usos y funciones conocidas o explorar nuevas prestaciones, nuevas aplicaciones. La exposición es la confirmación de la naturaleza como principio para el desarrollo de nuevas respuestas en términos de eficiencia, creciemiento, energía, protección, etc.

Susana Soares. Proyecto BEE's

James King. Dressing the Meat of Tomorrow. Concept. 2006

Ya desde su exposición Mutant Materials in Contemporary Design en 1995, hay una mirada atenta al impacto que tienen los nuevos materiales y las nuevas tecnologías en el diseño de productos, en el diseño industrial.

En su amena presentación, en un buen español con escasas ayudas de interprete, la curadora se refiere a la dificultad personal que ha tenido para hacer exhibiciones de diseño en los Estados Unidos. Allí hace una especial  mención a la falta de críticos de diseño en ese país. Dentro del MoMA la competencia ha sido dura en tratar de conquistar internamente los espacios para el diseño. “Solamente haciendo que los montajes y la museografía tengan un gran impacto”. Como curadora de un Museo, La Colección es un tema de mucha importancia. Aquí encara con mucho éxito las discusiones que se han presentado y propone fundamentalmente dos asuntos en forma de interrogantes: 1. ¿Qué están haciendo los diseñadores? y 2. ¿Que cosas le gustaría coleccionar?

En el primer tema, son las propias exhibiciones que ha curado donde se pueden ver esos espacios posibles de actuación de los profesionales del diseño: en el campo de la comprensión de las estructuras de la naturaleza (biónica – biomimicry), en las posibilidades que ofrece la ciencia. También en las temáticas más sensibles de la población como en los productos y objetos presentados en la exposición SAFE Design takes on risk en 2004: “there is nothing closer to the big bang of design, to its prime reason to exist, than objects that deal with self-preservation” PA. También en el Diseño Social como algunos de los productos presentados en 2007 en la exposición Design for the other 90%, en el Museo Cooper-Hewitt en NY. En todas estas exhibiciones hay aportes importantes del diseño en los espacios sensibles y críticos de nuestra sociedad.

Para cualquier Museo, en su sentido más clásico y sin entrar en grandes discusiones acerca del futuro de instituciones de esa naturaleza, La Colección es un asunto para la discusión. ¿Cómo guardar una colección de diseño cuando es casi infinito el campo?. Esas son las preguntas que se hace Paola Antonelli, cuando piensa en el material que debería ver el público y que representa de alguna manera el diseño. Ese fue parte del planteamiento en Humble Masterpieces (Humildes obras maestras), exposición organizada por el MOMA en 2004 y comisariada por Paola Antonelli. La muestra presenta una selección de casi 120 objetos sencillos, desde el Post-It al Tampax pasando por la cremallera, la navaja multiusos o el walkman. Objetos anónimos e imprescindibles, nacidos de la necesidad y que muestran un extraordinario equilibrio entre forma y función. Objetos que nos invitan a entender el diseño como un ejercicio de honestidad y no como el alarde de egocentrismo al que nos tienen acostumbrados los diseñadores de renombre. En estos objetos humildes, la identidad del propio objeto la moldeamos nosotros y desaparece la demoledora autoría de las firmas personales.

Paola Antonelli está interesada en coleccionar cosas muy diversas. Fundamentalmente aquellas cosas que son del mundo material, de la cultura de los objetos, de los átomos. Y todos esos nuevos “objetos” que provienen de la cultura digital: las interfases. Ella quisiera tener en la colección del Museo un avión, especialmente el Boeing 747, pero hay serias restricciones de espacio. Y también quisiera poder exhibir la “@” como un fabuloso “objeto” del mundo digital.

Boeing 747. 1970

Antonelli se refirió especialmente a las miles de interfases en video-juegos, sistemas digitales, herramientas visuales, y se preguntaba: ¿Cómo coleccionar eso?. Finalmente dedicó un buen tiempo de su presentación para mostrar ejemplos de espacios de trabajos para los diseñadores donde se conectan casi todos los campos del saber: el diseño de la información. Cada vez más es necesario que los diseñadores, y otros profesionales, puedan recorrer con solvencia las áreas del conocimiento que solicitan espacios y plataformas de visualización, informaciones complejas en estados comunicables. Cada vez más los temas relacionados con la interactividad son la punta. Especialmente aquellos sistemas interactivos que sean capaces de comprender la naturaleza de las relaciones de las personas con el mundo multidimensional en el que vivimos. Mostró trabajos como el que desarrolla Ben Fry en el Laboratorio de Aesthetics + Computation Group del MIT, Distellamap, a partir del código generado por consolas de Atari y pasados por Processing. Y el trabajo Humans vs. Chimps del mismo autor, donde se hace una visualización dinámica de los genomas de los humanos y de los chimpancés.

La cultura digital. El entretenimiento digital

Distellamap. Desarrollo visuales a partir del código del Atari 2600. Ben Fry

Vale la pena recorrer las exposiciones mencionadas en esta nota, así como los proyectos específicos que poseen sus vínculos, para saber la densidad de los contenidos que abordó Paola Antonelli en su presentación.

::

Comments (0)

By Editor, March 7, 2010

Información sobre sismos de data.gov del 27 de febrero, durante el terremoto de Chile. Nickbilton

::

Comments (1)

By Editor, March 6, 2010

Las propuestas de estos dos paulistas, Fernando y Humberto Campana, apuntan a los objetos sin proyecto, a la intuición objetual. Paula Antonelli los presenta con la descripción de la “atmósfera que crean sus objetos”. Ella señala que el interés es “mirar el diseño en lo local”. Antonelli crea un paralelo con el trabajo del japonés Shiro Kuramata y deja ver que las propuestas de Los Hermanos Campana acarician el discurso postmoderno, especialmente cuando sin ser consultada ella misma dice: “… me han preguntado si en el Museo coleccionamos el postmoderno y yo he dicho que el postmodernismo es como el colesterol: hay bueno y hay malo“. El mobiliario que desarrollan aparece de los discursos, de la palabra, casi de la poesía. Son objetos creados a partir de una funcionalidad  en su dimensión estética o de una mirada plástica de la racionalidad.

Cadeiras "Vermelha" y "Favela"

Inmediatamente comenzaron a relatar de sus proyectos. Anécdotas, algunas interesantes de como llegaron a esas propuestas. “Cadeira Vermelha”, la primera silla confeccionada con 400 mts de cuerda sobre una estructura de tubular de tres apoyos, de la que solamente pudieron vender algunas piezas en Brasil. Hoy, después de la exposición Projects 66, junto al diseñador de iluminación alemán Ingo Maurer que organizara Paola Antonelli en 1999, hace parte de la colección del MoMA. Con la “Favela”, una silla hecha con pequeñas piezas de madera natural de diferentes tamaños, pegadas o clavadas entre sí, que asemejan a las que se emplean para la construcción de las favelas en Brasil, se acercan a los discursos más poderosos de nuestros días y de mucho interés para los países centrales: la pobreza y la sustentabilidad. El mismo Fernando Campana dice que un trabajo hecho bajo el concepto de diseño de la escasez”, rapidamente fue etiquetado de “green design”. Ellos estaban más preocupados con el diseño de la arquitectura, el diseño espontáneo. Estas dos últimas sillas son producidas por la empresa italiana Edra.

Algunos otros proyectos fueron mostrados simplemente sin mayor profundidad. Piezas, como la línea de muebles fabricados en “peluche”, provenían de una imagen, de una idea. Todavía algunos proyectos muy interesantes como el cerramiento del Museo Vitra con una “fachada de paja” para la exposición MyHome.

Probablemente, uno de los proyectos más interesantes que mostraron fue una línea de “objetos para el descanso” (sillas) hechos con fibras en su cuerpo principal y una concha plástica de sillas en desuso adheridas en las zonas de contacto, “son las fibras naturales que invaden los plásticos, en una especie de venganza”. “Una especie de Detox de la naturaleza expulsando plásticos”. Estos muebles fueron presentado en en la exposición Transplastic de los Hermanos Campana, en Londres 2007.

Transplastic 2007. Hermanos Campana

Así que estos hermanos abordan los objetos desde esa operación sorprendente de las figuras retóricas, creando un lenguaje propio, donde los materiales son el sustrato de la figura. Una especie de poesía objetual o materialidad discursiva. Algunos elementos del surrealismo están impresos en las piezas de los Campana, como se puede leer en la curaduría de la primera gran retrospectiva de estos brasileños “Antikörper” (Anticuerpos) en el Vitra Design Museum en Weil am Rhein, realizada en 2009 y que clausuró hace una semana.

………………………….

El Taller

Durante dos día consecutivos un grupo de diseñadores jóvenes venezolanos participaron de una taller conducido por los Hermanos Campana, en los espacios de la FAU. Los trabajos fueron presentados en la sala de Exibiciones de esa Facultad como cierre del ciclo de charlas. El Decano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, el Arq. Guillermo Barrios, en su presentación de la charla y de los participantes del taller anunció la creación del Premio Cornelis Zitman en una alianza con la empresa de mobiliario Capuy.

Los objetos, resultados del taller  y con la guía de los Campana, se desarrollan desde el material hasta el objeto. Una suerte de experimentación vivencial con el encuentro de materiales en estados no comunicables, en materia prima huérfana. La función de cada objeto ya conocida y el encuentro con materiales de segunda. La garantía de discursos verdes, que dieron espacios a la producción de estos objetos.

Más información de la exposición y premiación del taller, en la página de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV FAUUCV

::

Comments (0)

By Editor, March 6, 2010

Barry Bergdoll, con la traducción del Arq. Carlos Brillembourg, presentó básicamente agunos aspectos de la exposición Bauhaus 1919–1933: Workshops for Modernity que fue recientemente cerrada en el MoMA. La escuela de la Bauhaus en Alemania es la más famosa e influyente escuela del siglo veinte, dónde confluyeron artistas, arquitectos y diseñadores en una extraordinaria conversación en torno a la naturaleza del arte en la modernidad. Una escuela que se desarrolló entre la década de 1920 a 1933 y ha revolucionado el mundo visual contemporáneo, abarcando disciplinas tan diversas como: fotografía, teatro,  pintura, escultura o el diseño de textiles, cerámicas y muebles.

“¡El objetivo de toda actividad artística es la construcción!” es lo que reza en la primera frase del manifiesto que publicara Walter Gropius (1883-1969) como Director en el programa de la inauguración de la Bauhaus en 1919. Y allí se concentra uno de los grandes aportes de esta escuela arte/artesanía con taller/curso magistral. Gropius nombra como profesores a los grandes maestros. Todavía recuerdo esta foto que vi hace algunos años en el edificio diseñado por Gropius y donde descansa actualmente el archivo de esa Escuela, en la ciudad de Berlín, el Bauhaus – Archiv Museum of Design:

Los maestros de la Bauhaus en el techo del edificio de la Escuela en Dessau. De izquierda a derecha: Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl and Oskar Schlemmer.

Bergdoll comenzó su presentación hablando sobre la complejidad de la Escuela y mostró algunos espacios de la muesografía presentada en el MoMA, para detenerse en ciertos momentos y hacer algunos comentarios. Como estudioso del tema, Bergdoll advierte que visitar una exposición sobre la Bauhaus es conocer los íconos de la Escuela. En ese sentido se procuró, además de mostrar las imágenes “postales”, piezas y procesos menos conocidos. ”Interdisciplinaria y experimental, su formación se basaba en talleres prácticos, y la experimentación de nuevos materiales y técnicas” es lo que Bergdoll dice cuando menciona un proceso que aborda Tom Kalley en su libro The Ten Faces of innovation: Cross-pollination. Este proceso de trabajo presupone “explorar lo desconocido en lugar de trabajar con lo conocido”. La imagen de la Bauhaus está en todo el MoMA, desde su inauguración en 1939. Esta sería la segunda exposición que se hace de la Escuela en los Estados Unidos. Mostrar a la Bauhaus como un proceso no como una escuela. Resaltando la importancia del trabajo entre alumnos y maestros.

En el espiritu de “construcción”, Gropius hace las conexiones con la industria. De esta relación surgen algunos aciertos, como la puesta en escena de las ideas de mobiliario y otros objetos. La posibilidad de vincular de manera efectiva los resultados de la experimentación en aportes concretos a la sociedad. Este proceso, que finalmente es la idea conocida de la Bauhaus, se fue recalentando hasta provocar algunas contradicciones: “los estudiantes ya no ensamblaban sus diseños sino que veían como otros lo hacían”. Las ideas de los modelos productivos, la producción masiva de las ideas, la producción seriada e incluso, ideas todavía mucho más revolucionarias como el “prefabricado”. Esta evolución natural de los aspectos de la producción, hace que en 1928 Hannes Meyer (1889 – 1954) asuma la dirección de la Escuela, con las ideas de modificar el “Bauhaus Style” que ya se veían en los medios. Meyer contraponía lo experimental con lo práctico, lo económico y lo masivo.

En la presentación de Bergdoll se construye un relato de datos curiosos, de importantes asuntos sobre la Bauhaus, donde la anecdota se convierte en historia. Así relata, en la medida que muestra las imágenes de las salas, del montaje, como aparece por ejemplo la famosa silla “Africana” de 1921. Una pieza que surge primeramente en un precario folleto sobre la evolución de las sillas de Marcel Breuer, y que finalmente aparece en físico para ser exhibida. Los relatos derivan de la producción de la escuela en el diseño de espacios, en la tipografía, en el uso y aplicación del color y en las dinámicas en la producción de piezas.

Importante la mención que se hace de la Bauhaus Chair de Marcel Breuer, la primera silla con vestigios de producción seriada una vez que podía ser ensamblada en partes. Breuer fue el diseñador encargado de los talleres de producción de la Escuela, donde se diseño la primera silla con la tenología de tubulares doblados. Los resultados experimentales con esta innovadora tecnología en el uso del tubo produjeron uno de los íconos más importantes del siglo XX y de la modernidad, el Modelo B3, porteriormente llamada la Wassily Chair.

Bauhaus Chair, 1921. Wassily Chair, 1925. Marcel Breuer

Ludwig Mies van der Rohe, el último director de la Bauhaus, disolvió la Escuela en Berlín en 1933 bajo fuertes presiones de la Nacional Socialista que había llevado a poder a Hittler algunos meses antes.

La página de la exposición del MoMA contiene un material muy bien presentado y documentado. Esta exposición contó con la presencia de 400 objetos, a diferencia de los 900 objetos presentados en la exhibición A Conceptual Model, como celebración de los 90 aniversario de la Bauhaus, realizada en Berlín en 2009. Para este aniversario y con el concierto tres instituciones alemanas de investigación sobre las Bauhaus (Bauhaus Archive / Museum für Gestaltung Berlin, Stiftung Bauhaus Dessau y Klassik Stiftung Weimar) y consiguieron reunir esta cantidad de objetos, la mayor que nunca se ha realizado sobre la influyente escuela de principios del siglo XX

La Bauhaus definitivamente es una referencia para cualquier diseñador, para la cultura occidental. No hay historia sobre el diseño que no traiga en su argumentación la imagen de este pensamiento. Para muchos, una especie de paradigma nostálgico e inmutable. Y es que ciertamente allí hubo uno reunión de los grandes. Wolfgang Sattler, profesor de diseño de productos en la actual Universidad Bauhaus de Weimar dice: “Cada uno crea su propia Bauhaus, se la inventa como el cohete propio hacia el futuro. Sólo que ese cohete no puede dirigirse”.

Sobre esta triste imagen en el último afiche de Schlemmer sobre la Escuela, de estudiantes de la Bauhaus bajando las escaleras de la Escuela, aparece la frase de Mies: “El Bauhaus es solamente una idea y no se puede matar una idea“.

Oskar Schlemmer, Bauhaus Stairway, 1932. Roy Lichtenstein, Bauhaus Stairway, 1989

::

Comments (0)

By Editor, March 5, 2010

Carteles de la convocatoria al Ciclo de Charlas

En dos sesiones memorables se presentó en el Auditorio Carlos Raúl Villanueva, en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, un ciclo de tres charlas: Barry Bergdoll “Bauhaus 1919-1932, workshops for modernity”, Paola Antonelli “Diseño y la Mente Elástica” y Los Hermanos Campana.

Las presentaciones fueron promovidas por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo; el Instituto de Urbanismo de la UCV; la Fundación para la Cultura Urbana y la Sala Mendoza. También, la Fundación Cisneros y  Marva Griffin, Presidenta del Salón Satellite de Milano.

………………………….

Barry Bergdoll, es Jefe Curador de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York ( MoMA) y profesor de Historia de la Arquitectura Moderna de la Universidad de Columbia. Egresado de la Universidad de Columbia y Cambridge, su principal objeto de estudio ha sido la Historia de la Arquitectura Moderna, con particular énfasis en la desarrollada en Francia y Alemania en el siglo XX.

Bergdoll presentó la charla Bauhaus 1919-1933: taller de modernidad, de la importante exhibición: “Bauhaus 1919-1933: Workshops for Modernity”, expuesta en el MoMA en la temporada 2009-2010. También ha sido organizador, curador y consultor de: “Home Delivery: Fabricating the Modern Dwelling” expuesta en el MoMA en el 2008; “Lost Vanguard: Soviet Modernist Architecture, 1922–32” expuesta en el MoMA en el 2007; “Mies in Berlin”expuesta en el MoMA en el año 2001,con Terence Riley; “Breuer in Minnesota” expuesta en el Instituto de Arte de Mineapolis en el 2002; “Les Vaudoyer: Une Dynastie d’Architectes at the Musée D’Orsay”, expuesta en Paris en 1991; y “Ste. Geneviève/Pantheon; Symbol of Revolutions”, expuesta en Paris y en el Centro Nacional de Arquitectura de Canadá en Montreal en 1989.

………………………….

Paola Antonelli es curadora Senior igualmente del Museo de Arte Moderno de Nueva York ( MoMA) y recientemente publicamos una nota con el trabajo que diera el título de su presentación: el Diseño y la Mente Elástica.

………………………….

Fernando y Humberto Campana o simplemente los Hermanos Campana, dos brasileños del interior de la ciudad de São Paulo que penetran los escenarios internacionales del diseño, el mobiliario y el arte. Igualmente, ya habíamos colocado alguna información de sus trabajos en este blog.

::

Comments (0)

By Editor, March 3, 2010

Todos a buscar su SARVUILE (sistema automático para la reducción violenta del uso indiscriminado de la luz eléctrica). Esta es la propuesta del diseñador francés Josselin Zaïgouche, para el fenómeno del consumo excesivo e inconciente de este recurso: Switch me!. Un objeto que pone en evidencia el consumo de energía como un acto reflejo.

vía Designboom

::

Comments (2)

By Editor, February 20, 2010

Las Shell Chairs (sillas conchas), llamadas también las sillas del milenio, fueron desarrolladas por Charles and Ray Eames en los 40′ y luego producidas por la firma americana Herman Miller.

Este video trata de una pieza promocional lanzada en 1970 por esta firma, que registra el desarrollo de las formas, los instrumentos analógicos para el encuentro de las superficies y el proceso de fabricación de una concha para asiento de silla.

::

Comments (0)

By Editor, February 14, 2010

De Nicolas Nova, un investigador suizo que forma parte del equipo de Lift Lab y publica el blog Pasta & Vinegar dedicado a la investigación con usuarios y las interfases, este reciente trabajo Design and Designed Failures: From Observing Failurs To Provoking Them, presentando la semana pasada en el evento Interaction 10 – IxD10 en la ciudad de Savanah, Georgia.

“Los fracasos y reveses son a menudo pasados por alto en la investigación del diseño. La charla abordó este asunto con la descripción de dos enfoques: la observación de los fracasos de diseño e identificar los síntomas de las fallas o deficiencias, documentando el comportamiento del usuario … como una estrategia de diseño”.

::

Comments (1)

By Editor, February 13, 2010

El diseñador francés Philippe Starck, que ha estado involucrado en los últimos 30 años en el diseño de hoteles “boutiques”, lámparas de alta tecnología, productos de uso cotidiano, mobiliario, se tomó un tiempo para trabajar con energía y desarrolló dos elegantes micro turbinas de viento destinadas al uso doméstico.

Starck presentó el miércoles pasado, después de dos años de trabajo en el proyecto, las turbinas “Revolutionair“, fabricadas por la empresa italiana Pramac, que construye equipos de generación de energía. Las turbinas, que se realizará en la ciudad toscana de Siena y se puede colocar en el jardín o en el techo, compuestas por el modelo de 400W WT cuadrangular con una potencia de 400W y 1KW con forma helicoidal, WT, que pueden generar una energía de 1 KW. Sus precios de referencia en el mercado europeo estarán alrededor de 2.500 euros (3.515 dólares) y 3.500 euros respectivamente.

vía Reuters

::

Comments (0)

By Editor, February 12, 2010

Recientemente visité un familiar en un reconocido y prestigioso centro de salud en Caracas. Se trata de una zona en la capital donde se ha generado un verdadero polo en la salud privada del país. Este centro, uno de los más grandes, funciona en una gran edificación que ha sufrido varias expansiones desde su construcción. Es un verdadero alivio cuando el flujo vehicular, en la zona de estacionamientos, es considerada dentro de la propuesta de arquitectura. Esto minimiza la complejidad en los sistemas de señalización. Sin embargo, la edificación posee varios pisos de estacionamiento, por lo que lo más importante para una señalización que permita la fácil localización de los vehículos, sería una codificación de los niveles. En las imágenes está la secuencia de las gráficas que aparecen desde que se estaciona el auto hasta ingresar al edificio por el ascensor. El subsistema de señalización de los estacionamientos, de los sótanos.

Aparece dos cosas a primera vista. 1. La necesidad de una clasificación de los niveles pero expresada en varios códigos dentro del mismo sistema: E3 se refiere a estacionamiento 3; luego aparece la palabra NIVEL y finalmente, dentro del ascensor, esta clasificación se refiere a sótanos (s1, s2, s3, etc). 2. Otra cosa es la falta de integración visual de todo el sistema y en relación a la imagen completa de la institución. El descuido y desorden tipográfico, la instalación casi provisional y aleatoria y el manejo de la gráfica y los soportes son el producto de una edificación y una institución que lleva el mismo tipo de crecimiento.

El diseño de sistemas de señalización es un campo con muchas variantes. Hace algunos años, junto al equipo de trabajo con el que hemos diseñado e instalado varios sistemas, pensábamos especialmente en esa dificil tarea de llegar a un balance en relación a la presencia de las señales. Sobre todo aquellas donde su única función es la de guiar. Pensábamos que la mejor señal sería aquella que una vez cumplida su función, pudiera ser retirada y dejar el espacio libre de esa “muletilla” de mobilidad. Esto pensando que si hay un aviso de “baño” en una puerta, podría suprimirse una vez que ya alguien conoce ese destino. Pero hay un flujo de personas que tienen contacto por primera vez con esos destinos. Ese es el balance.

alguna bibliografía sobre el tema:

Diseño de Sistemas de Señalización y Señalética [pdf]

Manual de señalética accesible para edificios públicos, Buenos Aires.

Design of Signage Systems

HUNT, W., Urban entertainment graphics, Nueva York: Madison Square Press, 1997.

COSTA, J., Señalética, Barcelona: Ediciones CEAC, 1989.

::

Comments (0)

By Editor, February 12, 2010

Jugador de Ultimate en plena captura. Walter Fred Morrison, el inventor del Frisbee

En la década de 1940, un estudiante e inventor que trabajaba como inspector de un edificio en Los Angeles, Walter Morrison, construyó un prototipo de plástico de una lata grande de metal, pensando que el objeto más ligero podría volar más lejos. Morrison patentó lo que él llamó el Pluto Platter. Le mostró su hallazgo a Rich Knerr y Arthur Melin, que tenía una pequeña empresa que llamaron Wham-O. Knerr y Melin – que entrarían a ese mercado los juguetes caprichosos como el hula-hoop – se mostraron entusiastas, y comenzaron a fabricar  la licencia de patentes de Morrison en 1957. Frisbee ® es una marca registrada de discos voladores.

De ese legendario disco volador se han vendido más de 200 millones de piezas y es casi una pieza vintage. Han surgido innumerables modelos de discos y hay toda una técnica para proporcionar el impulso correcto y la presión necesaria y lograr un vuelo controlado.

Durante los 70 y luego en la década de los ochenta, las prácticas con estos discos se hicieron más especializadas. Los juegos con el Frisbee nunca llegaron a tener rango olímpico, pero si hay un movimiento deportivo de mucho aliento, especialmente en los Estados Unidos. Los Campeonatos Internacionales de Frisbee han dejado discos que son hoy objetos de culto. Además del conocido “free style”, piruetas con el disco en vuelo, surgió ese juego llamado Ultimate, una especie de combinación de futbol y basketball con el uso del disco. Los discos voladores pueden ser vistos casi en cualquier playa del mundo.

Walter Morrison, el inventor del Frisbee murió ayer a la edad de 90 años.

::

Comments (0)

By Editor, February 10, 2010

Algunos prototipos de la muestra PROBEN

Prototyp Museum

La construcción de prototipos es clave en el desarrollo de productos. Se trata de construir un simulacro. La representación de un sistema. Una etapa fundamental en la simulación. Cuando se diseñan productos, son muchos los momentos en los que la construcción de modelos físicos resulta crusial para el proceso. Los prototipos son modelos. Todo el proceso de modelización está referido a la construcción de un cercamiento a la realidad y como el diseño se trata de una actividad proyectual, se trata de una modelización de una realidad posible.

Instrumentalmente, los modelos pueden ser de muchos tipos, formas, funciones y cualidades. Los primeros acercamientos volumétricos y estáticos utilizados en los estadios iniciales del proyecto y como herramientas de diseño de la forma junto al dibujo. Se les conocen como maquetas simples de un objeto. Luego, modelos en diferentes escalas para verificación de ciertos aspectos. No hay como un modelo en escala real (1:1) para validar las relaciones con los usuarios de una manera básica. Estos últimos son modelos con mayor detalle y muchos pueden ser el resultado de una modelización matemática o un Render. Los modelos construidos en escala real para verificar fundamentalmente los aspectos de interacción con los usuarios, muy utilizados en recomendaciones ergonómicas cuando se confrontan y relacionan las variables antropométricas con los productos, también son llamados “mock-ups” o “low-fidelity prototypes” (Interaction Design).

En una etapa mucho más acabada del proyecto surgen los conocidos modelos de exploratorios, que como su nombre lo indica, nos permite explorar las alternativas sobre un objeto en específico ó el objeto completo. Los modelos más avanzados son llamados de prototipo que nos permitirá experimentar materiales, funcionalidad, con la finalidad de validar las especificaciones técnicas de ingeniería, de producción, etc.

La razón fundamental de abordar brevemente esta materia, tan necesaria y particular en el desarrollo de productos, es la oportunidad que tiene la Hochschule für bildende Künste [HFBK], (University of Fine Arts of Hamburg, Germany) de realizar una exposición de  trabajos desarrollados por estudiantes en esa Escuela, referidos a 19 prototipos de vehículos experimentales constridos en el periodo 1983 – 2009. La muestra llamada PROBEN comienza este próximo 18 de febrero en el  conocido museo de transporte de la ciudad de Hamburgo en Alemania llamado PROTOTYP (Prototyp – Personen. Kraft. Waden).

vía Designboom

::

Comments (1)

By Editor, February 5, 2010

Harumaki 2004 foto: Fernando Laszlo

The Campanas + LACOSTE

Conocidos internacionalmente como los Hermanos Campana, son dos paulistas que han convertido al diseño en una nueva manera de producir piezas con discursos propios. Piezas descontaminadas del reflejo de esa “estética italiana”, que parecía bañar toda la producción de objetos en Brasil, en la década de los ochenta. El estudio Campana apareció en Brasil hace 21 años. Humberto (1953) es formado en derecho y creaba piezas de mobiliario. Fernando (1961) estudió arquitectura en la Universidad de São Paulo. Ellos producen diseño – arte. Una mirada a la producción de objetos sin la influencia de los materiales convencionales, las reglas comerciales o los paradigmas del diseño. Esto último quedó muy claro en el nombre de sus primeras sillas, hechas con hierro doblado, que jamás se pensaron para ser usadas como sillas convencionales: Desconfortáveis – 1989.

La idea del proyecto en los hermanos Campana no estaba basada en conceptos teóricos y si en un acto de mucha observación y compromiso con la intuición. En los trabajos de estos hermanos se pueden ver piezas de mucha simplicidad formal y la casi obvia puesta en escena de materiales como: mangueras plásticas, bambú, cuerda, etc. “Pasé mucho tiempo pensandome como escultor”, dijo Humberto Campana en una entrevista a Vik Muniz en la Bomb Magazine.

Los Campana han dedicado un buen tiempo a recorrer el mundo con sus exposiciones y sus piezas. Muchos trabajos son interesantes de conocer por el rango en el espacio de actuación y la expansión de estos diseñadores en la concepcíon, conformación y producción. En 1999 la conocida curadora del MOMA, Paola Antonelli, montó la exposición Projects 66 con el diseñador de iluminación alemán Ingo Maurer y de estos diseñadores brasileños. Hasta finales de febrero de este año, el Vitra Design Museum en Weil am Rhein, Alemania, expone ANTIBODIES The Works of Fernando & Humberto Campana 1989 – 2009, “la mayoría de sus creaciones provienen de su estudio en São Paulo y consisten en objetos hechos a mano y a la medida para el hogar, caracterizados por el reciclaje de materiales “encontrados”, una buena combinación de idiosincrasia e impresiones surrealistas”.

Otros trabajos, como el famoso Sillón Favela, hecho con sobrantes de madera, y la línea de camisas polo para la firma de ropa Lacoste, son ejemplos de los espacios de influencia que han generados estos paulistas.

+ info Dezeen, Designmuseum, Domus, Tomo

::

Comments (0)

By Editor, February 3, 2010

El equipo de la organización del pasado Interdesign MTY 2009 Design Avenue: a path to meaninful innovation, realizado en la ciudad de Monterrey, México, nos presenta un Resumen Ejecutivo del taller.

La experiencia, que reunió a más de 50 diseñadores de varios paises y organizado desde el conocido TEC de Monterrey, estuvo centrada sobre la temática de la ciudad. Durante dos semanas de intenso trabajo pudimos explorar las posibilidades conceptuales y territoriales de una zona en el centro de la ciudad de Monterrey, con alto potencial para lograr una intervención significativa de diseño.

::

Comments (0)

By Editor, February 2, 2010

En los carros minuatura de la marca italiana TobeUs confluyen algunas ideas que se conectan con el diseño y que son motivo de mucha atención y discusión: diseño – artesanía – jueguetes  - producción.

Estas pequeñas joyas son fabricadas con maderas duras, sin pintura, con operaciones geométricas simples. Son formas sencillas que producen un objeto casi indestructible. El proyecto de estos pequeños juguetes está a cargo del diseñador Matteo Ragni y su equipo de diseñadores, y fabricados en la ciudad de Brianza en Italia por el Master Giovanni, un conocido artesano de la zona. Estos carritos, a pesar de ser totalmente hechos a mano que les da su sello de “producto artesanal”, han pasado todas las normas obligatorias para entrar en el mercado de la EEA y llevan la CE Mark, que certifica que el producto ha cumplido con los requerimientos de seguridad, salud y ambiente.

Los juguetes son un espacio de trabajo para el diseño muy particular. Especialmente porque la oferta para el entretenimiento de los nños es cada vez mayor, diversa y sofisticada. Por supuesto que esto ocurre para todos los productos provenientes de procesos artesanales: un encuentro con la variedad del mercado, con los productos industrializados. En los juguetes para niños se montan otras muchas aristas, algunas muy afiladas, como aquella donde se colocan los atributos románticos de prácticas del pasado frente a la falsa premisa que sataniza a los juegos digitales y presupone que los niños hoy son menos inteligentes que nosotros cuando éramos niños.

Estas piezas han sido presentadas en el Salone del Mobile y  fueron también mostradas por su diseñador recientemente en el evento Design Sostenible Milano 2009.

::